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Rencontres
Les artistes : Cai Guo-Qiang, Sheroanawe Hakihiiwe, Fabrice Hyber, Joseca Mokahesi, Adriana Varejão, Ehuana Yaira.
Trois rencontres inédites entre artistes autochtones et non-autochtones ponctuent le parcours de l’exposition : celle de Sheroanawe Hakihiiwe et Fabrice Hyber qui ont fait œuvre commune pendant une résidence de l’artiste Yanomami chez l’artiste français, celle, pionnière, de l’artiste brésilienne Adriana Varejão avec Joseca Mokahesi en 2003, et la toute récente collaboration, vingt ans après, d’une autre artiste yanomami, Ehuana Yaira, avec l’artiste chinois Cai Guo-Qiang. Ces trois moments symbolisent la porosité et les échanges possibles entre des mondes habituellement séparés.
De forêt en forêt : Sheroanawe Hakihiiwe dans la Vallée de Fabrice Hyber
Au cœur de la Vendée, l'artiste français Fabrice Hyber sème depuis les années 1990 une forêt autour de l'ancienne bergerie de ses parents. Semés au fil du temps, plusieurs hectares de forêt se sont développés dans la vallée de la Serrie à partir d'environ 300 000 graines d'arbres de plusieurs centaines d'espèces.
Lieu d'apprentissage et d'expérimentation, la Vallée est devenue la matrice et la source d'inspiration de l'ensemble de l'œuvre de l'artiste, qu'il compare à la croissance organique de la vie : « Au fond je fais la même chose avec les œuvres, je sème les arbres comme je sème les signes et les images. Elles sont là, je sème des graines de pensée qui sont visibles, elles font leur chemin et elles poussent. Je n’en suis plus maître. »
L'idée d'inviter l'artiste Yanomami Sheroanawe Hakihiiwe, venu du Venezuela, est née de sa rencontre avec Fabrice Hyber en 2022 dans le cadre de l'exposition Les Vivants organisée par la Fondation Cartier pour l'art contemporain au Tripostal de Lille (France). La forêt s'est alors révélée comme un dénominateur commun entre les deux artistes aux origines lointaines, comme lieu de réflexion sur la fécondité du vivant et de ses métamorphoses. En avril 2023, la forêt devient un lieu de création à plusieurs mains.
Après avoir échangé leurs visions personnelles sur leurs habitats respectifs, les artistes ont pris la décision de créer ensemble plusieurs œuvres, dans une totale fusion d'intentions, dont ils sont les co-auteurs.
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Fabrice Hyber
Fabrice Hyber offre dans ses toiles une observation poétique et personnelle du monde végétal. Interrogeant les principes de croissance en rhizome, d’énergie et de mutation, de mobilité et de métamorphose, l’artiste rejoint, à travers son vocabulaire plastique, les recherches scientifiques les plus actuelles sur l’intelligence des plantes ou la communication des arbres. Adepte de l'écologie positive, Hyber regarde avec curiosité les possibilités infinies de régénération du monde vivant. « La toile Invasion représente une sorte d’armée d'hommes verts, personnages qui donnent la vie en permanence, gardiens du vivant ». Quant au tableau Greffe : « C'est un tableau lié à mon intérêt pour les greffes d'organes ; j'ai pensé qu'on pourrait s’imaginer se greffer sur nos corps des plantes. La jambe est ici comme un arbre. C'est un questionnement sur l'avenir, une mutation possible ».
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Biographie
Né en 1961 à Luçon, Vendée, France. Vit à Paris et à Mareuil-sur-Lay-Dissais (Vendée), France.
Artiste-semeur, chercheur, entrepreneur et poète, Fabrice Hyber vit et travaille entre Paris et la Vendée où, depuis plus de 40 ans, il sème quelque 300 000 arbres, transformant peu à peu les champs en forêt et le paysage en œuvre d'art. Il a étudié les mathématiques avant d'entrer à l'École des beaux-arts de Nantes. Artiste-entrepreneur, il crée en 1994 Unlimited Responsibility (UR), une société à responsabilité limitée destinée à favoriser la production et l'échange de projets entre artistes et entrepreneurs. En 1997, il reçoit le Lion d'or pour le projet de studio de télévision réalisé pour le pavillon français de la Biennale de Venise. La transmission est au cœur du travail de cet artiste : depuis 2012, il a lancé un nouveau concept d'école d'art, entre école de commerce et sciences de l'art. Fabrice Hyber a été élu à l'Académie des beaux-arts en 2018, et nommé ambassadeur de l'ONF (l'Office national des forêts) en 2021. L'artiste entretient des liens étroits avec l'institution depuis 1990. De décembre 2022 à avril 2023, la Fondation Cartier a consacré une grande exposition monographique à Fabrice Hyber, intitulée La Vallée.
Sheroanawe Hakihiiwe
D'apparence non figurative, les œuvres de Sheroanawe Hakihiiwe, artiste Yanomami du Venezuela, s'inspirent méticuleusement des détails de la forêt dans laquelle il vit : traces, formes et « signes particuliers » des animaux et de la végétation d'Amazonie. Son processus d'abstraction est très similaire à celui des peintures corporelles Yanomami, qui trouvent leur origine dans les traits distinctifs des ancêtres mythologiques, tant humains qu'animaux. Au cours des années 2000, il a également réalisé un inventaire systématique des motifs de cette symbologie traditionnelle.
La série Sequía (Sécheresse), réalisée en 2021, sur trois types de papier différents, suscite une prise de conscience : « Les rivières et les ruisseaux s'assèchent, il y a moins d'eau pour irriguer les cultures, moins de poissons, les animaux cherchent aussi l'eau et s'éloignent, il y a donc moins d'animaux à chasser. Les chamans disent que le climat est très différent et ils sont inquiets. Il y a aussi des incendies qui ne sont pas bons pour nous ».
Sheroanawe Hakihiiwe a réalisé les peintures murales intitulées Wamono (chemin des fourmis coupeuses de feuilles) qui traversent l'exposition : ce motif représente les nombreuses grandes fourmis rouges (Atta sexdens) qui dévastent les plantations de manioc en coupant les feuilles des cultures.
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Biographie
Né en 1971 à Sheroana, Amazonas, Venezuela. Vit dans la communauté Poripori (Mahekoto) sur le cours supérieur de l'Orénoque, en Amazonie, au Venezuela.
Sheroanawe Hakihiiwe est un artiste Yanomami de la région supérieure de l'Orénoque. Il a fréquenté l'école interculturelle de la mission salésienne locale. Au milieu des années 1990, il a rencontré l'artiste mexicaine Laura Anderson Barbata qui lui a enseigné l'art de fabriquer du papier à la main. Il vit au sein de sa communauté Pori Pori la majeure partie de l'année, période pendant laquelle il consigne dans des carnets les ébauches de dessins que lui inspirent ses observations quotidiennes dans la forêt. À partir de ces croquis et annotations, il peint ou imprime ensuite ses œuvres dans un atelier de Caracas sur du papier artisanal spécialement fabriqué avec des fibres d'arbres ou de plantes de sa terre natale. Il apporte le plus grand soin à ce processus de fabrication artisanale du papier qui est à l'origine de sa vocation artistique et de sa quête esthétique depuis les années 1990.
Depuis sa première exposition à Caracas en 2010, Sheroanawe Hakihiiwe a été exposé aux États-Unis, en Amérique latine, ainsi qu'en Europe à la Biennale de Venise (2022) et à la Biennale de Sydney (2022). C'est également en 2022 qu'il participe à l'exposition organisée par la Fondation Cartier Les Vivants à Lille, et en 2023 à l'exposition The Yanomami Struggle au Shed à New York.
INSPIRATIONS CHAMANIQUES : Dialogue entre Adriana Varejão et l'œuvre de Joseca Mokahesi
C’est en 2003, dans le cadre de la préparation de l'exposition Yanomami. L'esprit de la forêt, que l'artiste brésilienne Adriana Varejão s'est rendue dans la forêt amazonienne brésilienne pour rendre visite au peuple Yanomami, à l'invitation de la Fondation Cartier et en compagnie d'autres artistes internationaux. Elle a alors entamé un dialogue avec les chamans de la maison-village de Watorikɨ, dans l'Amazonas, sur les images et les voix du peuple de la forêt tropicale.
Pendant son séjour chez les Yanomami, Adriana Varejão a été fascinée par les plantes aux pouvoirs psychotropes à partir desquelles est fabriquée la poudre inhalée pendant les rituels chamaniques. Elle en a fait le sujet de grandes peintures, à la manière d’anciennes planches botaniques occidentales.
« Je cherche à reproduire ces espèces à la manière d'un dessin scientifique et à suggérer également combien les langages scientifiques sont éloignés du savoir des chamans. Tout se passe comme si la science était en mesure de « naturaliser » ces espèces, abolissant ainsi leur subjectivité ».
C'est un dessin de l'artiste Yanomami du Brésil Joseca Mokahesi, représentant le corps fragmenté et altéré de l'apprenti chaman par ses futurs esprits auxiliaires lors de son rituel d'initiation, qui a également inspiré Adriana Varejão pour son tableau Cadernos de Viagem, connaissance par corps. L'image chamanique du corps démembré, reconstruite à l'envers, est revisitée et réimaginée cette fois à l'huile sur toile de lin, dans un format beaucoup plus grand que l'original de Joseca Mokahesi, qui convoque la référence occidentale de l'Ecce homo de Léonard de Vinci. Ici encore, l'apparence scientifique est mise à mal par le sujet : le corps visible est doublé d'un corps symbolique, littéralement renversé.
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Adriana Varejão
La démarche artistique d'Adriana Varejão, originaire de Rio de Janeiro, intègre et repousse les limites de la peinture, de la sculpture et de l'architecture en utilisant de multiples références artistiques et culturelles du passé. Adriana Varejão accorde une importance particulière à l'histoire sanglante de son pays ; l'esclavage, la colonisation et la barbarie sont des thèmes prépondérants dans son travail. Devenant le vecteur d'un discours, son œuvre témoigne et dénonce. En 2003, à l'initiative de la Fondation Cartier, elle se rend dans le village de Watorikɨ au nord du Brésil, prend contact avec les artistes de la communauté et assiste à des rituels chamaniques. Dans son travail apparaissent le corps chamanique et les plantes psychotropes, présentées comme des herbiers anciens. « Je cherche à reproduire ces espèces à la manière d'un dessin scientifique et à suggérer également combien les langages scientifiques sont éloignés du savoir des chamans ».
Biographie
Née en 1964 à Rio de Janeiro, Brésil. Vit à Rio de Janeiro, Brésil.
Depuis ses débuts, le travail d'Adriana Varejão s'inspire de multiples références culturelles. Sa démarche artistique intègre et repousse les limites de la peinture, de la sculpture et de l'architecture. Adriana Varejão accorde une importance particulière à l'histoire (sanglante) de son pays. En premier lieu, la question de l'esclavage, mais la colonisation et sa part de barbarie occupent également une place prépondérante dans son travail. En d'autres termes, ses œuvres deviennent le support d'un discours, elles témoignent et dénoncent. Des images, des formes et des discours d'origines diverses, tirés entre autres de l'art occidental des XVIème et XVIIème siècles, de la tradition des azulejos du Portugal ou de la céramique chinoise, sont incorporés dans l'œuvre pour faire resurgir les processus qui les ont créés et les utiliser pour en construire de nouvelles versions. Dans certaines œuvres emblématiques comme Parede com incisões à la Fontana (2002), les azulejos représentés sont incisés, montrant ainsi les viscères de la toile. Comme l'ont souligné de nombreux critiques, la peinture de Varejão devient « corps ». Beaucoup qualifient son travail de « baroque contemporain ».
Le travail d'Adriana Varejão a fait l'objet d'importantes expositions personnelles et a été présenté dans de nombreuses expositions collectives et manifestations internationales, telles que les Biennales de Venise, de São Paulo et de Sydney. Elle a participé à l'exposition Yanomami, Esprits de la forêt en 2003 à la Fondation Cartier où une exposition personnelle lui a été consacrée en 2005, Chambre d'échos. Son travail a été exposé à de nombreuses reprises par la Fondation Cartier (Les Habitants en 2014, puis Le Grand Orchestre des Animaux en 2016 à Paris, et Les Visitants en 2017 à Buenos Aires, Argentine).
Joseca Mokahesi
Joseca Mokahesi vit à Watorikɨ [Demini] dans la Terra Indígena Yanomami de l'État d'Amazonas, dans le nord du Brésil. Premier enseignant et agent de santé de sa communauté, il a produit et illustré de nombreuses publications bilingues (yanomami/portugais) pour des programmes éducatifs et sanitaires. Ses dessins évoquent minutieusement des entités, des lieux et des épisodes de mythes et de chants chamaniques entendus depuis l'enfance ou dépeignent parfois des scènes de la vie quotidienne dans la forêt. Joseca Mokahesi, fils d'un chaman important mais pas chaman lui-même, représente généralement les esprits auxiliaires chamaniques xapiri sous leur forme humaine ou animale, en se basant sur les visions racontées par les anciens chants chamaniques. Ses dessins dépeignent une histoire ordinairement invisible pour les non-chamans afin de partager et de promouvoir la cosmovision de son peuple.
Né en 1971 dans la région supérieure du Catrimani, État de Roraima, Brésil. Vit à Watorikɨ [Demini], État d'Amazonas, Brésil.
Joseca Mokahesi vit et travaille à Watorikɨ [Demini] dans l'État d'Amazonas. Il a commencé à sculpter des animaux en bois et à dessiner des scènes chamaniques et mythologiques au début des années 2000. Joseca a également illustré plusieurs livres sur les traditions de son peuple, publiés par l'association yanomami Hutukara.
Depuis 2003, le travail de Joseca Mokahesi a été exposé dans de nombreuses institutions artistiques au Brésil et à l'étranger. Ses œuvres sont présentées par la Fondation Cartier à Paris depuis 2003 dans l'exposition Yanomami, l'esprit de la forêt puis en 2012 dans l'exposition Histoires de Voir, et en 2019 dans l'exposition Nous les arbres. Ses œuvres ont également été exposées à la Power Station of Art de Shanghai en 2021, à Londres et à Lille en 2022, ainsi qu'à New York en 2023 pour l'exposition The Yanomami Struggle au Shed. En 2022, sa première exposition personnelle, Our Earth-Forest (Kami yamakɨ urihipë), est inaugurée au MASP (Museu de Arte de São Paulo).
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New York, rencontre entre Cai Guo-Qiang et Ehuana Yaira
Ehuana Yaira et Cai Guo-Qiang se sont rencontrés pour la première fois fin janvier 2023 à New York, lors du vernissage de The Yanomami Struggle au Shed, une exposition à laquelle a participé l'artiste yanomami Ehuana Yaira.
Artiste autochtone ayant grandi dans la forêt et y vivant encore aujourd'hui, Ehuana Yaira peint et dessine la vie des femmes Yanomami, des personnages féminins issus du chamanisme et de la mythologie Yanomami. Ses rêves sont également représentés dans ses peintures.
Cai Guo-Qiang, artiste chinois vivant à New York, explore les propriétés de la poudre à canon dans ses explosions en plein air et ses performances, et développe des techniques utilisant la poudre à canon pour créer des peintures depuis le début des années 1980.
Lorsqu'ils se sont rencontrés à New York, les deux artistes se sont immédiatement sentis proches l'un de l'autre, ce qui a conduit Cai Guo-Qiang à inviter Ehuana Yaira à visiter son atelier.
Lors de sa visite, Ehuana Yaira a été particulièrement attirée par l'une de ses œuvres, Red Birds (2022), une peinture inspirée d'un rêve dans lequel l'artiste a vu sa grand-mère.
Un rêve qu'Ehuana Yaira a fait la nuit même est devenu le point de départ d'une collaboration avec Cai Guo-Qiang : une femme marchait seule dans une forêt couverte de fleurs qui lui arrivaient à la taille. Ehuana a réalisé le dessin seule avant qu'il ne soit transformé en un pochoir unique par l'équipe du studio. Cai Guo-Qiang a répandu sur le pochoir de la poudre à canon colorée qui, une fois enflammée, a provoqué une explosion - le feu donnant vie à la femme rêveuse de la forêt dessinée par Ehuana Yaira. Cette rencontre entre artistes, chacun trouvant son inspiration dans les rêves, est un symbole des échanges esthétiques et métaphysiques entre des mondes qui, à l'état de veille, peuvent sembler si éloignés.
Cai Guo-Qiang
Le travail de Cai Guo-Qiang s'inspire des mythes ancestraux et des traditions esthétiques de la culture chinoise ainsi que de la culture occidentale contemporaine. Cai Guo-Qiang a étudié l’art de la mise en scène à Shanghai de 1981 à 1985, avant de quitter son pays natal en 1986 pour poursuivre sa formation au Japon. Il se définit comme un authentique « citoyen du monde », ce qui explique son souci de dépasser les barrières culturelles si caractéristique de son travail. En 1989, Cai Guo-Qiang attire l'attention du public en réalisant une série de dessins intitulée Projects for Extraterrestrials (Projets pour Extraterrestres) qu'il crée en enflammant de la poudre à canon sur du papier japonais. Après 1989, Cai Guo-Qiang a commencé à réaliser des productions ambitieuses et complexes en utilisant la pyrotechnie pour créer des explosions à grande échelle en plein air. En 1995, il s'installe à New York, où il vit aujourd'hui.
Né en 1957 à Quanzhou, en Chine. Vit à New York
En 1996, un événement lance la carrière internationale de Cai Guo-Qiang : l'œuvre intitulée Cry Dragon/Cry Wolf : The Ark of Genghis Khan est finaliste de la première édition du prix Hugo Boss du musée Solomon R. Guggenheim, qui récompense l'innovation dans les arts visuels. En 1999, Cai Guo-Qiang représente la Chine à la XLVIIIe édition de la Biennale de Venise où il remporte le Lion d'or pour l'installation Venice's Rent Collection Courtyard. En 2008, Cai Guo-Qiang a présenté une exposition personnelle au musée Guggenheim de New York, intitulée I Want to Believe. La même année, Cai Guo-Qiang a été membre de l'équipe créative principale et directeur des effets visuels et spéciaux pour les cérémonies d'ouverture et de clôture des Jeux olympiques de Pékin et des Jeux olympiques d'hiver de Pékin en 2022.
Artiste de renommée internationale, Cai Guo-Qiang a exposé dans le monde entier. Son travail s'inspire de la philosophie, des traditions et des récits orientaux, ainsi que des questions sociales contemporaines, transcendant les frontières culturelles. Ses œuvres font souvent allusion à la culture ou à l'histoire du lieu où elles sont présentées, établissant un dialogue entre les spectateurs et l'univers qui les entoure.
La relation étroite entre Cai et la Fondation Cartier pour l'art contemporain remonte à sa résidence d'artiste en 1993. Sa grande exposition personnelle en 2000, ainsi que sa participation à plusieurs expositions collectives, ont nourri cette relation à long terme.
Ehuana Yaira
Ehuana Yaira est une artiste, enseignante, chercheuse et une dirigeante de la communauté de Watorikɨ. Elle est la première femme yanomami à devenir enseignante dans la région et à écrire un livre dans sa langue maternelle. Ses recherches sur la transformation des rituels autour des premières règles des filles ont été publiées sous le titre Yi pimuwi thëã oni (Paroles écrites sur les ménarches, 2017). Ehuana Yaira est l'une des rares femmes yanomami à poursuivre une carrière artistique, pionnière de sa génération. Ses dessins sont généralement densément colorés et représentent les activités quotidiennes des femmes à l'intérieur et à l'extérieur du yano (maison commune), ainsi que des personnages chamaniques féminins et des figures de la mythologie yanomami. L'échelle de ses personnages et la quasi-absence d'hommes dans son œuvre témoignent de la place centrale qu'occupe l'univers féminin dans sa vision.
Née en 1984 à Watorikɨ [Demini], État d'Amazonas, Brésil. Vit à Watorikɨ [Demini], État d'Amazonas, Brésil
Ehuana Yaira a illustré des ouvrages didactiques sur la médecine traditionnelle (2015) et les langues yanomami (2019). En 2018, elle a coordonné le 11e rassemblement annuel des femmes yanomami. Elle a été la protagoniste de A Film for Ehuana (Louise Botkay, 2018) et l'interprète du long métrage The Last Forest (Luiz Bolognesi, 2021).
Ses œuvres ont été exposées pour la première fois par la Fondation Cartier à Paris en 2019 dans l'exposition Nous les arbres. Elle a également participé aux expositions Trees à la Power Station of Art de Shanghai en 2021, Les Vivants à Lille en 2022 et The Yanomami Struggle à New York au Shed en 2023.
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