Parcours « Making Things »

L’artiste colombienne Olga de Amaral a contribué à la métamorphose du médium textile. Mesurant 7 mètres de haut et 8 mètres de large, Muro en rojos fait partie de la série des Muros tejidos, ou « murs tissés », par laquelle elle explore la tridimensionnalité du textile. S'émancipant à la fois de sa fonction décorative et de sa dépendance au mur, l’art textile arbore une qualité proprement sculpturale, voire architecturale. Composée de six panneaux comprenant des milliers de bandelettes, cette œuvre est emblématique des expérimentations d’Olga de Amaral sur la relation entre espace, couleur et matériaux, et inspirée par les paysages de son pays natal. Par ses couleurs jaune, ocre et rouge, l’œuvre traduit l’attachement de l’artiste aux paysages colombiens, évoquant à la fois un parterre de feuilles mortes et la teinte des briques des maisons de Bogota. 

Artiste céramiste mexicain et membre de l’Académie internationale de la céramique depuis 1994, Gustavo Pérez développe une approche de la céramique contemporaine qui mêle rigueur technique et liberté artistique. Chaque vase, fabriqué à la main, est orné de motifs gravés ou sculptés à l’aide de lames métalliques ou d’outils de sa conception, évoquant des mouvements naturels ou des formes architecturales. L’artiste utilise des couleurs sobres pour mettre en avant les textures, incisions et reliefs qui révèlent la matière du support. Ces incisions, colorées au moyen d’émaux, ne sont pas de simples décorations : elles participent à l’équilibre global de l’œuvre. Cherchant à repousser les limites de la céramique contemporaine, Gustavo Pérez crée des vases qui transcendent leur fonction utilitaire pour devenir des objets d’art intemporels. 

Figure de la seconde génération de l’expressionnisme abstrait américain, Joan Mitchell voyage puis émigre en 1955 à Paris où elle découvre les œuvres de Monet et l’impressionnisme français. Son travail mêle alors les influences de ces deux mouvements et tente de retranscrire l’émotion ressentie au contact de la nature. Cette œuvre majeure met en lumière cet engagement en faveur d’une abstraction « sentie », exprimée par des couleurs profondes et des formes libres. Cette toile est inspirée des souvenirs d’enfance de l’artiste évoquant un marais isolé près de Nantes avec la luminosité d’un ciel agité. Les couleurs florales sont interrompues par des traînées de noir, rappelant l’impasse artistique dans laquelle a été plongée l’artiste après la perte d’un proche. 

Depuis la fin des années 1980, Jean-Michel Othoniel s’attache à renouveler la tradition sculpturale en réhabilitant l’usage de matières précieuses dans un langage à la fois poétique et symbolique. Paysage amoureux se compose de colliers de perles ornés d’anneaux et de cœurs en verre soufflé, une technique que l’artiste a élevée au rang de signature. Jouant sur la géométrie et la répétition d’éléments et de motifs, cette sculpture est semblable à des bijoux. Derrière une apparente légèreté formelle, l’œuvre investit des objets symboliques de la passion amoureuse et célèbre un rapport érotique au corps visant un réenchantement des relations humaines, de leur vulnérabilité et de leur beauté. Loin d’être un simple ornement, la beauté est pour l’artiste le moyen de tendre à une harmonisation de l’humain avec son environnement.