Virgil Ortiz è un nativo americano cresciuto a Pueblo Cochiti, in una comunità indigena dove vive tuttora. È noto per le sue sorprendenti rappresentazioni di personaggi strani e fantastici ispirati alla cultura Cochiti. Pur continuando la tradizione della ceramica figurativa della sua comunità, l'artista crea figure originali basate su uno stile regionale di caricatura sociale che trae le sue origini nel XIX secolo, ispirato ai personaggi e agli spettatori dei circhi itineranti che attraversavano la regione all'epoca. Virgil Ortiz ha sviluppato un proprio stile basato sulle storie dei Pueblos d'America e della loro rivolta, combinando fantascienza e racconti apocalittici. L'artista presenta tre sculture tra cui una figura di padrone coloniale a due teste con i suoi animali domestici (The Ring Master and Tics) e una creatura ibrida, umana e animale, tipica della cosmologia Pueblo (Reptilian Humanoid), realizzata per la mostra Siamo Foresta. "Le opere figurative Monos di Pueblo Cochiti sono una storia avvincente di resilienza, resistenza e rinascita (...) Dedizione, critica sociale, umorismo e innovazione sono la forza trainante del mio lavoro. Continuerò dove il mio popolo è stato costretto a fermarsi e darò loro di nuovo voce attraverso l'argilla. Il mio lavoro è profondamente radicato e rigenerativo”.

Virgil Ortiz is a Native American who grew up in Cochiti Pueblo, an Indigenous community where he still lives today. He is known for his surprising depictions of strange and fantastical characters inspired by the Cochiti culture. While continuing the tradition of figurative pottery in his community, the artist creates original figures based on a revival of a regional style of 19th century social caricature inspired by the characters and spectators of the travelling circuses that crossed the region at the time. Virgil Ortiz has also developed his own style from the stories of the Pueblos of America and their revolt, combined with science fiction and apocalyptic tales. The artist shows three sculptures including a two-headed colonial master figure and his pets (The Ring Master and Tics), along with a hybrid creature, both human and animal, out of the Pueblo cosmology (Reptilian Humanoid), realized for the exhibition Siamo Foresta. "Cochiti Pueblo's Monos figurative works are a fascinating story of resilience, resistance and rebirth (...) Dedication, social criticism, humour and innovation are the driving force behind my work. I will continue where my people were forced to stop and give them voice through clay. My work is deeply rooted and regenerative.”

Nato nel 1969 a Cochiti Pueblo, Nuovo Messico, USA. Vive a Cochiti Pueblo, Nuovo Messico, USA.

Le opere di Virgil Ortiz fanno parte delle collezioni di molti musei, tra cui il National Museum of the American Indian della Smithsonian Institution. Nel 2015, Ortiz ha tenuto una mostra personale al Denver Art Museum. Nel 2018, il Colorado Springs Fine Art Center ha presentato la storia Pueblo vista da Ortiz attraverso la lente dell’iconografia ispirata al fantasy e alla fantascienza. Nel 2022, Virgil Ortiz ha ricevuto il Living Treasure Award dal Museum of Indian Arts and Culture.

Le opere di Virgil Ortiz sono state esposte nel 2001 dalla Fondation Cartier nell’ambito della mostra Un Art Populaire, e di nuovo nel 2012 nella mostra di Histoires de voir, dove Virgil Ortiz aveva scelto di presentare le proprie opere e quelle della sua famiglia e della comunità. Virgil Ortiz ha partecipato nel 2022 alla mostra Mondo Reale alla Triennale di Milano.

Born in 1969, Cochiti Pueblo, New Mexico, USA. Lives in Cochiti Pueblo, New Mexico, USA.

Virgil Ortiz' works have now been integrated to the collections of many museums, including the National Museum of the American Indian of the Smithsonian Institution. In 2015, Ortiz had a solo exhibition at the Denver Art Museum. In 2018, the Colorado Springs Fine Art Center presented Ortiz's vision of Pueblo history through the lens of an iconography inspired by fantasy and science fiction. In 2022, Virgil Ortiz was awarded the Living Treasure Award by the Museum of Indian Arts and Culture. Virgil Ortiz' works have been exhibited at the Fondation Cartier since 2001 in the exhibition Un Art Populaire and then in 2012, as part of Histoires de voir, where Virgil Ortiz agreed to present his own works as well as those of his family and community. In 2022 it was exhibited in Milan for the exhibition Mondo Reale at Triennale Milano.

Pittore autodidatta dell'Amazzonia peruviana, Brus Rubio Churay reinterpreta, in modo contemporaneo, i miti e i riti tradizionali del suo popolo con personaggi ibridi, metà umani, metà animali o vegetali, presi in movimenti aerei in una lussureggiante foresta ancestrale. Nei suoi disegni in bianco e nero o nei tre dipinti realizzati per questa mostra: Danza de los seres del agua (Danze degli esseri acquatici), Danza de la abeja (Danza dell'ape) e Transformación del jaguar: La mareación (Trasformazione del giaguaro: la trance), riflette una sorta di gioia cosmica. Anche se molte delle sue opere evocano anche questioni storiche, sociali o politiche che hanno colpito il suo popolo e l'Amazzonia in generale: l'inquinamento e la deforestazione, la corruzione, l'oppressione e la predazione delle risorse o il genocidio legato allo sfruttamento del caucciù.

Self-taught painter of the Peruvian Amazon, Brus Rubio Churay reinterprets in a contemporary way the myths and traditional rituals of his people with hybrid characters– half men, half animals or plants– in aerial movements in a lush ancestral forest, in his black and white drawings or in the three paintings made for this exhibition: Danza de los seres del agua (Dance of the water beings), Danza de la abeja (Dance of the bee) and Transformación del jaguar: The mareación (Transformation of the jaguar: Trance). His paintings reflect a cosmic joy but many of his works also evoke historical, social or political issues that have affected his people and the Amazon in general: pollution and deforestation, corruption, oppression and predation of resources or genocide related to the exploitation of rubber.

Nato nel 1984, Comunità Murui de Pucaurquillo, Perù. Vive a Lima e Pucaurquillo, Perú.

Brus Rubio Churay è un pittore Murui-Bora che discende dai popoli Huitoto e Bora dell’Amazzonia peruviana. Nel 2002 ha iniziato a dipingere con tinture naturali su un supporto di fibra vegetale chiamato llanchama, trascorrendo del tempo con gli anziani del suo villaggio e con l’antropologo svizzero Jürg Gasché. Brus Rubio Churay è il nipote del pittore di Bora Victor Churay Roque, fondatore della cosiddetta scuola llanchama. Il suo lavoro rappresenta feste, rituali e immagini tratte dai canti sacri dei suoi antenati.

Quando viaggia, Brus Rubio Churay è solito dire che “amazzonizza” le città che visita. A questa idea ha appositamente dedicato una serie di dipinti. Questi viaggi (Lima, Parigi, Washington, L’Avana, Shanghai) gli hanno permesso di presentare la tradizione del suo popolo alla scena artistica contemporanea internazionale. Le sue opere sono state esposte in numerose mostre personali e collettive; oggi Brus Rubio Churay è uno dei giovani artisti più riconosciuti dell’Amazzonia e del Perù.

Born in 1984, Community Murui de Pucaurquillo, Peru. Lives in Lima and Pucaurquillo, Peru.

Brus Rubio Churay is a Murui-Bora painter descended from the Huitoto and Bora peoples of the Peruvian Amazon. In 2002, he began painting using natural dyes on a plant fibre supports called llanchama while spending time with village elders and Swiss anthropologist Jürg Gasché. Brus Rubio Churay is the nephew of the Bora painter Victor Churay Roque, founder of the so-called school of the llanchama. He stages festivals and rituals, rounds of images from the sacred songs of his ancestors.

During his travels, Brus Rubio Churay used to say that he "amazonises" the cities he visits (he has dedicated a series of paintings to this idea).

These numerous trips (Lima, Paris, Washington, Havana, Shanghai) allowed him to bring the tradition of his people to light on the global contemporary art scene. His works have been exhibited around the world in numerous solo and group exhibitions and Brus Rubio Churay is today one of the most recognised young artists of the Amazon and Peru.

L'etereo profilo di un grande albero dell'artista colombiana Johanna Calle è realizzato con i testi dattiloscritti su carta notarile di una legge sulla restituzione delle terre contadine indigene che tutela i diritti dei contadini sfollati, permettendo loro di rivendicare la proprietà della terra elencando gli alberi che vi hanno piantato. Piantare alberi è un modo per questi agricoltori, che non possono permettersi di erigere recinzioni, o di legittimare la proprietà della terra che coltivano. Il foliage dattiloscritto evoca temi quali la deforestazione, la fragilità degli ecosistemi, le specie endemiche, la spoliazione della terra dei contadini indigeni colombiani. I "disegni fotografici", come l'artista chiama la sua tecnica di manipolazione di vecchie fotografie, sono realizzati ritagliando e rimuovendo parte dell'immagine. Essi descrivono la profondità ancora incontaminata di un'area di foresta primaria dell'Amazzonia peruviana ai confini della Colombia chiamata Yavari.

The ethereal outline of the tall tree by Colombian artist Johanna Calle is produced with the typed text on notarial paper of a law on the restitution of Indigenous farmers' lands, which protects the rights of displaced farmers by allowing them to claim ownership of the land by listing the trees they have planted there. Planting trees is a way for those farmers who cannot afford to erect fences to legitimise ownership of the land they farm. The typed foliage evokes: deforestation, the fragility of ecosystems, endemic species, the spoliation of the lands of Indigenous farmers in Colombia. The "photographic drawings" –as Calle calls her technique of manipulating old photographs–are made by cutting and removing part of the image; they describe the untouched depth of an area of primary forest in the Peruvian Amazon called Yavari, on the borders of Colombia.

Nata nel 1965 a Bogotà, Colombia. Vive a Bogotà, Colombia.

Johanna Calle è un’artista colombiana che sviluppa un’arte del disegno eminentemente poetica e personale, un linguaggio che si interroga sulla complessa realtà latinoamericana e colombiana. L’artista utilizza materiali e tecniche di ogni tipo (filo metallico, filo da cucire, fotografie e carta fotografica, testi e lettere dattiloscritte, cartone, legno, acciaio) e cerca di estrarne il senso e il significato. Sperimentando constantemente, Johanna Calle cerca con grande libertà di riflettere sul contesto politico e sociale del suo ambiente attraverso il suo lavoro, nel quale è possibile rivedere l’eredità del design concettualista latinoamericano degli anni ‘60 e ‘70. Attraverso le sue opere, per le quali recupera dalla stampa e dagli archivi informazioni su eventi come sparizioni, maltrattamenti o disastri ecologici, l’autrice getta uno sguardo sottile e critico sui diversi problemi sociali che affliggono la Colombia da più di cinquant’anni e denuncia l’indifferenza generale nei confronti delle minoranze in difficoltà.

Le opere di Johanna Calle sono state esposte in tutto il mondo in mostre personali e collettive e in biennali d’arte contemporanea. La Fondation Cartier ha presentato il suo lavoro nel 2018, 2019 e 2021 nelle mostre Géométries Sud : du Mexique à la Terre de Feu (Southern Geometries, from Mexico to Patagonia), Nous les Arbres e Trees.

Born in 1965, Bogota, Colombia. Lives in Bogota, Colombia.

Johanna Calle is a Colombian artist who has developed an eminently poetic and personal art of drawing, a language that questions the complex Latin American and Colombian reality. The artist uses all kinds of materials and techniques (wires, sewing threads, photographs and photographic paper, texts and typed letters, cardboard, wood, steel) and seeks to extract their sense and meaning. One can see in her work the legacy of Latin American conceptualist drawings of the 1960s-70s, seeking with great freedom to reflect on the political and social context of her environment, and constantly experimenting. Through her works, for which she recovers information published in the press as well as archives on various facts such as disappearances, mistreatment or ecological disasters, she subtly takes a critical look at the various social problems that have plagued Colombia for more than fifty years and denounces the general indifference towards struggling minorities.

Johanna Calle's works have been exhibited around the world in solo and group exhibitions as well as contemporary art biennials. Her works have been exhibited by the Fondation Cartier in 2018, 2019 and 2021 in the exhibitions Southern Geometries, from Mexico to Patagonia, Nous les Arbres and Trees.